Música modernista

De Viquipèdia
Salta a la navegació Salta a la cerca

La nova música[1] o el modernisme en la música, en la tradició musical europea escrita (artística), és una postura estètica subjacent al període de canvi i desenvolupament en el llenguatge musical que va tenir lloc al tombant del segle XX, un període de reaccions diverses que desafiaven i reinterpretaven els gèneres musicals més antics, innovacions que van conduir a noves formes d'aproximar-se als aspectes harmònics, melòdics, sonors i rítmics de la música, i als canvis en les visions estètiques del món en estreta relació amb el període més gran identificable del modernisme a les arts de l'època. La paraula que més s'hi associa a ella és "innovació".[2] La seva característica principal és la "pluralitat lingüística", és a dir, que mai cap gènere musical va assumir una posició dominant.[3] Aquest corrent és el successor de la música del romanticisme i postromanticisme, i va precedir la música clàssica contemporània, i es va estendre aproximadament entre els anys 1910 i 1975.

El moment exacte en què va acabar el modernisme i va iniciar la música contemporània, és encara motiu de debat entre els experts. De vegades es compara de manera equitativa la música moderna amb la música del segle XX, tot i que aquesta última abasta un temps cronològic en lloc d'un període estètic.

La música moderna es basa en els valors filosòfics i estètics del modernisme, els quals tenen com a principal objectiu el trencament amb la tradició, i la constant innovació. A causa d'això està estretament lligada al avantguardisme. A diferència dels períodes anteriors, pràcticament tots els compositors d'aquest període no només formaven part d'aquest moviment, sinó que van participar en diversos moviments musicals diferents, ja sigui simultàniament o per diferents etapes.

El nom de modernisme és a causa d'una sèrie de moviments basats en el concepte que el segle XX va ser una època de constants canvis tan socials com tecnològics els quals van ser fonamentals. Així doncs, l'art també havia d'adoptar i desenvolupar aquests principis com a fonament estètic.

El modernisme pren l'esperit progressista de finals del segle xix i la seva inclinació per la precisió de les millores tecnològiques. Com a conseqüència, se separa de les normes i formalismes de l'art de l'època i la tradició. Per tant, la característica principal del modernisme és la pluralitat del llenguatge, entenent que cap llenguatge musical en particular va assumir una posició dominant.

En quant a les característiques tècniques del modernisme musical, aquest té tres característiques principals les quals fan que es distingeixi dels altres períodes anteriors:

  • L'expansió o l'abandonament de la tonalitat.
  • L'ús de les tècniques esteses.
  • La incorporació de sons i sorolls nous en la composició.

Principals tècniques, estils i moviments[modifica]

Luigi Russolo (1885-1947) compositor italià que va introduir al manifest futurista i va generar L'art de les o els sorolls com a acció musical d'aquest moviment.

El futurisme va ser un dels principals moviments d'avantguarda a l'Europa del Segle XX. Aquest moviment, el qual es denomina com a corrent artística, va ser creada a Itàlia per Filippo Tommaso Marinetti, un poeta italià, el qual va redactar, i més tard publicar, el Manifest Futurista el 20 de febrer del 1909 al Diari Le Figaro de París.

Aquest moviment mirava de buscar el trencament de les tradicions artístiques del passat i els signes convencionals de la història de l'art. Mirava d'alçar la vida contemporània mitjançant dos temes principals: la màquina i el moviment. Mirava de recórrer a qualsevol mitjà d'expressió; arts plàstiques, arquitectura, poesia, publicitat, cinema, moda i música; amb la finalitat de tornar a construir un nou perfil del mon.

Els primers treballs futuristes al camp de la música es van iniciar l'any 1910, el mateix any que es firma el Manifest dels músics futuristes. Els italians Francesco Balilla Pratella i Luigi Russolo van ser els principals compositors futuristes.

Russolo idea en un manifest L'art dels sorolls de 1913 com una conseqüència als estudis prèviament realitzats per Pratella.

La Música de Sorolls va ser incorporada posteriorment a les actuacions com a música de fons o com una mena de partitura o guia per als moviments dels intèrprets. A més va inventar una màquina de soroll anomenada Intonarumori, la qual va ser durament criticada durant la seva època.

Crisi de la tonalitat i atonalisme[modifica]

Aleksandr Skriabin (1872-1915) va ser un dels iniciadors de l'atonalisme, conegut per la utilització del seu acord místic.

Articles principals: Atonalitat i Cromatisme (música)
Franz Liszt (Franz Liszt) va crear un precedent per a la música europea sense to el 1885, però sense to. Durant aquest període, la gent ha parlat de la "crisi de la tonalitat". El motiu d'aquesta crisi és que la gent utilitza cada cop més acords sospitosos, és poc probable que es harmonitzi i que la melodia i els canvis de ritme més inusuals puguin aparèixer a la música tonal. La distinció entre excepció i normal es torna cada cop més difusa i, en conseqüència, també s’afluixa la connexió sintàctica entre entonació i harmonia. A principis de segle XX compositors com ara Claude Debussy, Aleksandr Skriabin, Béla Bartók, Paul Hindemith, Serguei Prokófiev, Carl Ruggles, Ígor Stravinski i Edgard Varèse, van escriure música que s'ha descrit, totalment o parcialment, com atonal. Aleksandr Skriabin va crear un estil impressionista i atonal especial, com ara obres com "Misteri", "Poema de l'Èxtasi" o "Prometeu": El poema de foc, en un acord per quartes, anomenat "acord misteriós", és un tercer interval lluny dels acords de la triada habituals.

La primera etapa de l'atonalitat (l'antecessora de l'escala de dotze tons), coneguda com a “atonalitat lliure” o “aberració cromàtica lliure”, implica intents conscients d'evitar l'harmonia diatònica tradicional. Les obres més importants d'aquest període són l'òpera Wozzeck d'Alban Berg (1917-1922) i Piero Runel d'Arnold Schönberg ( Pierrot Lunaire) (1912).

El primer període de música silenciosa de Schoenberg (del 1908 al 1923) normalment tenia una unitat d'interval com a element integral. A més de l'expansió, la unitat d'intervals també es podia convertir en una fila de tons i les notes que hi contenien podrien actuar com a Elements bàsics per permetre la superposició d 'estats d'unitats bàsiques o la interconnexió de dues o més unitats bàsiques ".

Altres compositors nord-americans, com Charles Ives, Henry Cowell i més tard George Antell, van produir música impactant per al públic de l'època, ignorant les convencions musicals. Sovint combinen música pop amb aglutinació o politonalitat, una dissonància extrema i una complexitat rítmica aparentment impossible. Charles Seeger (Charles Seeger) va aclarir el concepte d'oposició inconsistent, Carl Ruggles (Carl Ruggles), Ruth Crawford-Seeger (Ruth Crawford-Seeger) i altres van utilitzar aquesta tècnica.

Primitivisme[modifica]

Igor Stravinsky (1882-1971), "La Consagració de la Primavera" (obra seva) és considerada l'obra més important del segle XX.

El primitivisme és un moviment artístic que té com a objectiu salvar el folklore més antic de determinades àrees amb un llenguatge modern o modernista. De manera similar al nacionalisme que busca ajudar els habitants locals, el primitivisme combina indicadors i accents més irregulars, més ús d'instruments de percussió i altres timbres, escales modals i tons atònics i politònics. En música, els dos gegants d'aquest moviment són el rus Ígor Stravinski i l'hongarès Béla Bartók, tot i que les obres d'ambdós superen amb escreix el nom “primitiu”.

El primer ballet Firebird (1910) és conegut per la seva inusual introducció (trio de corda baixa) i arranjament. Petruixka (1911) també té una visió diferent: va ser el primer ballet de Stravinsky que va utilitzar la mitologia popular russa. Tanmateix, al tercer ballet "Devoció a la primavera" (1913), es creu generalment que aquesta és la deïficació del "període del primitivisme rus" de Stravinsky. Aquí, el compositor aprofita la crueltat de la Rússia pagana i les interpretacions radicals, l'harmonia multi-tonal i el ritme sobtat que es mostren al llarg de l'obra reflecteixen aquests sentiments.

Hi ha diversos passatges molt coneguts en aquesta obra, però dos d'ells són especialment destacables: el primer tema basat en sons de fagot, amb notes als límits del seu abast, gairebé més enllà del seu abast; El recurs típic del període estravinskià de Rússia és utilitzar un ritme curt i moure el seu accent), dos acords superposats només fan servir l'arc de les cordes per seguir i fan més. Evidentment, el canvi del tema inicial és permanent. , I el bronze reproduïa cada acord accentat. La dedicació no només es considera l'obra més important del primitivisme o Stravinsky, sinó que també es considera al llarg del segle XX per la seva ruptura amb la tradició i la seva influència a tot el món.

Altres obres famoses d'aquest estil són: El Rossinyol (1914), Renard (1916), Història d'un soldat (1918) i Les noces (1923), interpretades per una combinació original de quatre pianos i instruments de percussió, amb participació en música vocal. En aquestes obres, els músics van aprofitar al màxim el patrimoni de l'Escola Nacionalista Russa fins que es va esgotar gairebé.

Béla Bartók (1881-1945) fou el creador de l'etnomusicologia, i gràcies a les seves búsquedes va crear nombroses obres basades en el folklore europeu.

Bartók fou un músic d'origen hongarès que va ressaltar com a compositor, pianista i investigador de música folklòrica de l'Europa oriental (especialment dels Balcans). Bartók fou un dels fundadors de l'etnomusicologia, basada en les relacions que uneixen l'etnologia i la musicologia. A partir de les seves recerques va desenllaçar un estil molt personal i innovador.

A partir del 1905, amb l'auge del moviment nacionalista, va aprofundir en la comprensió de la música tradicional i les cançons populars magiars. Llavors, es va adonar de la necessitat de preservar la memòria musical tradicional del seu país. Juntament amb Zoltán Kodály, va començar a recórrer pobles d'Hongria i Romania, recopilant milers de melodies i cançons, i enregistrant-les i enregistrant-les amb un fonògraf. Després, van estendre aquesta tasca a la major part d'Europa central i fins i tot a Turquia. Antigament es pensava que la música popular hongaresa es basava en la melodia gitana. Però Bartok va descobrir que les antigues melodies hongareses es basaven en l'escala pentatònica, igual que la música asiàtica o siberiana. Bartók va crear un gran nombre d'obres petites per a piano derivades de la música popular i va compondre acompanyaments de cançons populars.

Mai no va parlar de les seves habilitats de composició, però el musicòleg hongarès Ernö Lendvai va dedicar la seva vida a descobrir els fonaments del sistema. Segons Lendvai, la música de Bartok es basa en gran manera en les seves investigacions sobre literatura civil i art, especialment la literatura hongaresa. Es pot dividir en dues grans parts amb conceptes diferents però complementaris entre si. , apareixen alternativament. Fins i tot en diferents parts del mateix treball; un sistema diatònic basat en la música popular, la seva manera i ritme, escala acústica i altres programes que no avaluarem, i un sistema cromàtic que també està influït pel folklore, basat en un aspecte. És el sistema axial, en canvi és la proporció àuria.

La seva obra "primitiva" més pura pot ser Allegro Barbaro (1911) i un gran nombre de cançons i danses populars de l'Europa de l'Est. El mateix any, va escriure la seva única òpera "Bluebeard Castle". Durant la Primera Guerra Mundial, va escriure els ballets "El príncep de fusta" i "El mandarí meravellós", i després va compondre dues sonates per a violí i piano, que s'integren estructuralment amb les seves obres més complexes. El seu desig d'experimentació l'ha fet cada vegada més únic i brillant: les seves obres inclouen música per a cordes, percussió i sissta, sonates per a dos pianos i percussió i un quartet de sis cordes. Va treballar per al piano Mikrokosmos i tres concerts per a piano i orquestra.

Microtonalisme[modifica]

Charles Ives (1874-1954) fou un dels més prominents compositors de música microtonal, i el pioner als Estats Units.
Article principal: microtonalisme
El Microtonalisme és la música la qual utilitza microtons, és a dir, intervals musicals menors que un semitò. El músic nord-americà Charles Ivens definia als microtons d'una manera més humorística dient que eren “les notes entre les tecles del piano”. L'any 1895, el mexicà Julián Carrillo (1875-1965), mentre experimentava amb el violí va distingir setze sons clarament diferents entre els llançaments de G i A emesa per la quarta corda del violí. A aquestes distincions microtonals les va anomenar So 13 i va escriure sobre la teoria de la música i la física de la música. Va inventar una simple notació numèrica per representar les escales musicals sobre la base de qualsevol divisió de l'octava, com ara terços, quarts, cinquens, sisens, setens i així successivament. Fins i tot va escriure la majoria dels cops per quarts, vuitens i setzens combinats. La notació és la intenció de representar qualsevol subdivisió inimaginable. A més va inventar nous instruments musicals, i altres els va adaptar per tal de produir micro intervals. Va compondre una elevada quantitat de música microtonal i va gravar 30 de les seves composicions. Els anys 1910 i 1020, els quarts de to i altres subdivisions de l'octava van rebre l'atenció d'altres compositor com ara Charles Ives, Alois Haba (¼ i ⅙ de to), Ivan Wyschnegradsky (1/4, 1/6, 1/12 i escales no octabable), Ferruccio Busoni (qui va fer alguns experiments infructuosos en l'adaptació d'un piano de ⅓ de sons), Mildred Couper i Harry Partch. Erwin Schulhoff va fer classes de composició amb quarts de to en el Conservatori de Praga. Diferents compositors microtonals o investigadors dels anys 1940 i 1950 van incloure a Adriaan Fokker (31 tons iguals per vuitena), i a Eivind. La música micro-tonal mai va tenir massa acceptació i va ser considerada més endavant quasi exclusivament pels músics de Vanguardia.

Segona Escola Vienesa, dodecafonisme i serialisme[modifica]

Una de les figures més significatives en la música del segle XX és Arnold Schoenberg. Els seus treballs formen part de l'estil romàntic tardà, influenciat per Richard Wagner i Gustav Mahler, però després va abandonar el sistema de composició tonal per escriure música atonal. Amb el temps, va desenvolupar la tècnica de dodecafonisme, la qual la va proposar l'any 1923 proposant de reemplaçar-la de l'organització tonal tradicional.

Alguns dels seus alumnes, com ara Anton Webern i Alban Berg també van desenvolupar i van aprofundir l'ús del sistema dodecafònic, i van ser destacats per l'ús d'aquesta mateixa tècnica però amb regles pròpies. Aquests tres són coneguts, familiarment, com la Trinitat Schoenberg, o la Segona Escola de Viena. El qual aquest nom es va crear per poder ressaltar que aquesta Nova Música va tenir el mateix efecte innovador que la Primera Escola de Viena de Hayd, Mozart i Beethoven.

El dodecafonisme fou una forma de música atonal, amb una mena de tècnica de composició en què les dotze notes de l'escala cromàtica son tractades com equivalents, és a dir, subjectades a una relació ordenada que, a diferència del sistema major-menor de la tonalitat, no estableix jerarquia entre les notes. El creador de la música dodecafònica, Scrönberg, el que va fer  va ser prohibir la utilització d'una nota més que una altra: la melodia dodecafònica, per tant, ha de portar les dotze notes que es troben a l'escala cromàtica. S’escriu de manera que segueix el principi de que tots els dotze semitons o notes son d'importància equitativa. La relació interna s’estableix a partir de l'ús d'una sèrie composta per les dotze notes. El compositor decideix l'ordre en què apareixen amb la condició que no se'n repeteixi cap fins al final.

Anton Webern (1883-1945) deixeble de Schoemberg, va desenvolupar les idees dodecafónicas i va crear el serialisme integral.

La música de Schoenberg i la dels seus seguidors va ser molt controvertida en els seus dies, i a dia d'avui, en alguna mesura, encara ho és. Com no té un sentit de melodia definit del tot, alguns dels que l'escoltaven ho trobaven (i a dia d'avui encara la troben) difícil de seguir. Malgrat això, actualment es segueixen interpretant, estudiant i escoltant les obres, com ara Pierrot Lunaire, mentre que s’han oblidat altres composicions contemporànies les quals al seu moment  es consideraven més acceptables. En gran manera, la causa d'això és que el seu estil pioner va resultar molt influent, fins i tot entre compositors que van continuar component música tonal. A partir d'elles, molts compositors han escrit música no basada en la tonalitat tradicional.

El serialisme integral, la qual va ser creada pel deixeble de Schönberg, Anton Webern, representa un pas més endavant del dodecafonisme. S’estableix un ordre no només per a la successió de les diferents altures, sinó per la successió de les diferents duracions (les “figures”, com la negra, la corxera, etc) i la successió de les dinàmiques (els nivells d'intensitat sonora), com també per a l'articulació. Totes aquestes series es repeteixen durant el transcurs d'una obra. La tècnica és l'anomenada serialisme integral per a distingir-la del serialisme limitat del dodecafonisme. Irònicament, després d'anys d'impopularitat, l'estil puntillista de Wbern, en què els sorolls individuals son curosament ubicats en l'obra de manera que cada un té importància, es va convertir en norma a Europa durant els anys cinquanta i seixanta, i  va ser molt influent entre compositors de la postguerra Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen i Ígor Stravinski.

Neoclassicisme[modifica]

Article principal: Neoclassicisme (música)
Quan parlem de neoclassicisme respecte  a la música, parlem del moviment del segle XX el qual va reprendre una pràctica comú de tradició en quant a l'harmonia, la melodia, la forma, els timbres i els ritmes, però barrejada amb grans dissonàncies atonals i ritmes sincopats, com a punt de partida per a compondre música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergei Prokofiev, Dmitri Shostakovich i Béla Bartók son els compositors més importants usualment mencionats en aquest estil, però també el prolifer Darius Milhaud i els seus contemporanis Francis Poulenc i Arthur Honegger (Els Sis). Altres compositores que van utilitzar recursos neoclàssics van ser Germaine Tailleferre, Claude Arrieu i Grażyna Bacewicz.

El Neoclassicisme va néixer al mateix temps que el retorn general o models racionals en les arts, en resposta a la Primera Guerra Mundial. Les tendències concebudes com a resposta a la saturació emocional que molts sentien, la qual algunes eres: més petit, més escàs, més ordena, etc, va empentar a la gent a les trinxeres. Tenint en compte que els problemes econòmics van afavorir als grups més petits, la cerca per fer “més amb menys” es va convertir, en conseqüència, en una pràctica obligatòria. “Història del Soldat” de Stravinski és per aquesta raó una llavor de peça neoclàssica, com també passa en el concert “Els Roures de Dumbarton”, a la seva “Simfonia per a instruments de vent” o a la “Simfonia en do”. La culminació neoclàssica de Stravinski és la seva òpera anomenada “El progrés del llibertí” (“Rake's Progress”), amb llibret del bé conegut poeta modernista W. H. Auden.

Durant un temps, en el neoclassicisme, l'alemany Paul Hindemith va ser rival de Stravinski, barrejant punxants dissonàncies, polifonia i cromatisme lliure dins un estil utilitari. Hindemith va produir treballs de càmera i orquestrals en aquest estil, potser el més famós d'aquests va ser Mathis der Maler. La seva producció de càmera inclou la seva “Sonata per a corn anglès i piano”, un treball expressionista ple de detalls foscos i connexions internes.

Serguei Prokófiev (1881-1953) va ser un destacat compositor rus.

A Estats Units el Neoclassicisme va tenir un nombre d'audiència interessada; l'escola de la Nadia Boulanger va promulgar idees musicals basades en la comprensió de la música de Stravinski. Entre els estudiants que hi van anar, es troben músics neoclàssics com Elliott Carter (en la seva primera època, Aaron Copland, Roy Harris, Darius Milhaud, Astor Piazzolla i Virgil Thomson.

El tret més audible del neoclassicisme son melodies que utilitzen la tercera com a interval fixe, i agreguen comáticment notes dissonants a l'”ostinato”, blocs harmònics i barreja lliure de poritimes. El Neoclassicisme va guanyar gran acceptació cel públic amb rapidesa, i fou internalitzat per aquells opositors a l'atonalisme com la vertadera música moderna.

El context de la Unió Soviètica, especialment durant el govern de Iósif Stalin, el Neoclassicisme es va ubicar dins del realisme socialista. Aquesta fou una corrent estètica el propòsit de la qual era expandir el coneixement dels problemes socials i les vivències dels homes per por a l'art. D’aquesta manera els prominents compositors Serguei Prokófiev i Dmitri Shostakovich van haver de compondre de manera forçada en aquest estil, incorporant elements nacionalistes i valors comunistes, doncs qualsevol mena de Vanguardia es considerava com a part de la decadència de la burgesia d'Occident.

Música electrònica i concreta[modifica]

Articles principals: Música cinematogràfica i Banda sonora
Els avenços tecnològics en el segle XX van permetre als compositors d'utilitzar mitjans electrònics per produir sons. A França es va desenvolupar la Música Concreta, escola que produeix sons existents en el mon. És anomenada “concreta” perquè segons Pierre Schaeffer, el seu inventor plantejava que estava produïda per objectes concrets i no pels abstractes, que serien els instruments musicals tradicionals. El primer que va disposar d'aquests mitjans va ser Edgard Varèse, qui va presentar  “Poème électronique” en el Pavelló “Philips” de l'Exposició de Brussel·les l'any 1958. El 1951, Schaeffer, junt a Pierre Henry van crear el “Grup d'Investigació de Música Concreta” a París. Al poc temps de fer-lo ja van atreure un gran interès, i entre els que s'hi van apropar es trobaven diferents compositors significatius com Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis Xenakis, Michel Philippot i Arthur Honegger. La producció compositiva entre 1951 i 1953 va comprendre “Étude I” (1951) i “Étude II” (1951) per Boulez, “Timbres-durées” (1952) per Messiaen, “Étude” (1952) per Stockhausen, “Le microphone bien tempéré” (1952) i “La voile d'Orphée” (1953) per Henry, “Étude I” (1953) per Philippot, “Étude” (1953) per Barraqué, “Las piezas mezcladas Toute la lyre” (1951) i “Orphée 53” (1953) per Schaeffer/Henry, i la música per a la pel·lícula “Masquerage” (1952) per Schaeffer i “Astrologie” (1953) per Henry. L'any 1954 Varèse i Honegger van visitar l'estudi per treballar en les parts en cinta de “Déserts” i “La rivère enormie”. A Alemanya, en canvi, la forma d'utilitzar la tecnologia es va anomenar “Música electrònica”, que és aquella que utilitza només sons produïts electrònicament. El primer concert va ser l'any 1952 i va tenir lloc a Darmstadt. No obstant, la primera obra d'importància seria l'any 1956 anomenada “El cant dels adolescents” de  Karlheinz Stockhausen. Als Estats Units, Milton Babbitt va utilitzar el sintetitzador RCA Mark II per a crear música. Altres compositors van abandonar els instruments convencionals i van utilitzar cintes magnètiques per a crear música, grabar sons, i manipular-los d'alguna manera. “Hymnen” (de Stockhausen), “Déserts” (de Edgard Varèse) i “Sincronismes” (de Mario Davidovsky) ofereixen uns quants exemples. Aquesta possibilitat va prendre moltes formes: alguns compositors simplement van incorporar instruments electròniics dins les peces relativament convencionals. Oliver Messiaen, per exemple, va utilitzar Onades Martenot en uns quants treballs. Oskar Sala va crear la pista no musical per a la pel·lícula “Els Ocells” (de Alfred Hitchcock) utilitzant el trautònium, un instrument electrònic que ell mateix va ajudar a desenvolupar. Marton Subotnick va preveure la música electrònica pel 2001: “Una odissea de l'espai”. Altres compositors com Luigi Russolo, Mauricio Kagel i Joel Meek també van aportar a la investigació i exploració de la música electrònica.

Iannis Xenakis és un altre compositor modern que ha utilitzat computadores i altres instruments electrònics (inclòs algun d'inventat per ell) a moltes composicions. Alguns d'aquests treballs electrònics son peces suaument ambientades i altres mostres violenta i salvatge sonoritat. Compositors com Alvin Lucier, Gardon Mumma i David Tudor van crear i interpretar música electrònica en viu, sovint dissenyant els seus propis instruments o utilitzant cintes. En el segle XX van florir una quantitat d'institucions especialitzades en música electrònica, sent, pot ser, IRCAM de París la més coneguda.

Música aleatòria i avantguardisme radical[modifica]

El compositor alemany Karlheinz Stockhausen (1928-2007) va ser pioner en moltes de les formes musicals avantguardistes del segle XX, especialment en les més radicals.

El Modernisme ja de per sí és música d'avantguarda, l'Avantguardisme dins d'ella es refereix als moviments més radicals i controversials, en què el concepte de música arriba fins als seus límits (si no els sobrepassa) utilitzant elements com sons, gravacions, sentit de l'humor, l'atzar, la improvisació, el teatre, l'absurd, el ridícul o la sorpresa. Dins dels gèneres generalment ubicat dins d'aquest corrent radical, es troba la música aleatòria, la música electrònica en directe, el teatre musical, la música ritual, la composició de processos, el Happening musical, o la música intuïtiva, entre moltes d'altres. Entre els compositors més transcendents que van incórrer en aquestes aventures, es troben John Cage a Amèrica i Karlheinz Stockhausen a Europa.

La música aleatòria o de l'atzar és una tècnica compositiva musical basada en el recurs a elements no regulats per pautes establertes i en la qual adquireix un paper preponderant, és la improvisació a partir de les seqüències no estructurades. Aquestes característiques es poden fixat en la creació de l'autor o en el desenvolupament de la pròpia interpretació. És freqüent, en conseqüència, la composició de peces a aleatòries en les quals l'executant determina l'estructura final de l'obra, mitjançant la reordenació de cada de les seccions de la mateixa, o fins i tot, mitjançant la interpretació simultània de varies d'elles.

L'atzar és una característica descriptiu d'aquesta tècnica compositiva que va arribar a una gran difusió a partir de la dècada del 1950. Els corrents aleatoris van tenir algunes de les més significatives representacions en les creacions del nord-americà John Cage amb “Music of Changes” (1951) o “4’33” (probablement l'obra més radical del segle XX, famosa per consistir en la indicació de no tocar durant 4 minuts i 3 segons). També vas ser notable l'ús del I Ching, un antic text xinès clàssic sobre esdeveniments, el qual es va convertir en eina compositora habitual de Cage. Conegut també per la invenció del piano preparat, en què va compondre varies obres, entre les que destaquen “Sonates i interludis”, l'àlemany Karlheinz Stockhausen amb “Hymnen” (1967) i l'electrònica “Gesang der Jünglinge”, les quals van ser hits importants. Altres compositors com els italians Bruno Maderna i Franco Donatoni, el polonès Witold Lutosławski, el grec Iannis Xenakis, l'hongarès Gyorgy Ligeti, l'espanyol Luis de Pablo, els argentins Alberto Ginastera i Mauricio Kagel i els francesos Edgard Varèse i Pierre Boulez també van ser significatius.

Les modalitats més destacades en què es planteja la creació aleatòria en la música contemporània son la forma mòbil, la qual imposa diverses solucions interpretatives de rang equiparable; la forma variable, en què predomina la improvisació; i l'anomenat work in progress, que constitueix el màxim grau d'atzar en l'execució de la peça. A totes elles acostumen a incorporar-se instruments clàssics, amb especial atenció al piano, i mitjans d'execució electrònics com ara sintetitzadors, distorsionadors i cintes gravades.

Micropolifonía i masses sonores[modifica]

Articles principals: micropolifonia i massa sonora
El grec Iannis Xenakis (en la imatge) i el polonès Krzysztof Penderecki van ser els principals exponents de la utilització de masses sonores i micropolifonia.

Com diu David Cope, la micropolifonia es tracta de “una simultaneïtat de diferents línies, ritmes i timbres”.[4] Aquesta tècnica va ser desenvolupada per György Ligeti, qui l'explica d'aquesta manera: “La complexe polifonia de les veus individuals està marcada en el flux harmònic-musical, en què les harmonies es van convertint en altres; una combinació intervàl·lica discernible és gradualment fent-se borrosa, i d'aquesta nuvolositat és possible sentir que una nova combinació intervàl·lica està prenent forma”. “La microfonia té una semblança als clústers, però es diferencia d'ells en l'ús que fa de les línies més dinàmiques que estètiques”. EL primer exemple de microfonia en l'obra de Ligeti es produeix en el segon moviment de la seva composició orquestral “Apparitions”.[5] També son pioneres en l'aplicació d'aquesta tècnica el seu pròxim treball per l'orquestra “Atmosphères” i el primer moviment del seu “Requiem”, per soprano, mezzoprano, "coro mixto" i orquestra simfònica. Aquesta última obra va arribar a una gran popularitat a causa de que va formar part de la banda sonora de la pel·lícula de Stanley Kubrick l'any 2001: "Una odissea de l'espai".

Música cinematogràfica[modifica]

John Williams (1932) creador de la música de Star Wars i unes altres de les pel·lícules més tranquil·les de Hollywood.
Articles principals: Música cinematogràfica i Banda sonora
Des l'arribada del cine sonor a inicis de la dècada dels 30’, la música va agafar un paper crucial a la indústria i a l'art del cinema. Molts dels grans compositors de la dècada com ara Prokófiev i Shostakóvich, van realitzar obres en aquesta àrea. No obstant, hi ha alguns compositors que es van dedicar casi exclusivament a través del cinema, i que criden més l'atenció. Tot i que la musicalització de curtmetratges durant els anys 1940 estaven endarrerides dècades enrere de les innovacions tècniques en el camp de la música de concert, la dècada dels 1950 va veure l'auge de la música pel cinema de l`època. Respecte al cinema nord-americà, el director Elia Kazan va ser obert a la idea de les influències del jazz i les obres disonants i va treballar amb Alex North, la qual la partitura de “Un tramvia anomenat Desig” (“A Streetcar Named Desire”) (1951) combina la dissonància amb elements de blues i jazz. Aquest també es va apropar a Leonard Bernstein per musicalitzar la “Llei del Silenci” (“On the Waterfront) (1954) i el resultat fou una reminiscència de les primeres obres d'Aaron Copland i Ígor Stravinski, amb jazz basat en harmonies i emocionants ritmes additius. Un any més tard, Leonard Rosenman, inspirat per Arnold Schönberg, va experimentar amb l'atonalitat en les seves qualificacions de “A l'Est de l'Edén (1955) i “Rebel sense causa” (1955). Als seus deu anys de col·laboració amb Alfred Hitchcock i Bernard Herrmann va experimentar amb idees de “Vertigen” (1958) i “Els ocells”) (1963). L'ús de la música extradiegètica de jazz fou una altre innovació moderna, com la musicalització de l'estrella de jazz Duke Ellington a la obra d'Otto Preminger “Anatomia d'un assassinat” (1959). Dins les grans obres musicals del cinema es troben:

Referències[modifica]

  1. Adorno, Theodor W. Filosofía de la nueva música (en castellà). Ediciones AKAL, 2003-10-29. ISBN 978-84-460-1676-2. 
  2. Metzer, David Joel, 1965-. Musical modernism at the turn of the twenty-first century. ISBN 978-0-521-51779-9. 
  3. Morgan, Robert P. «Secret Languages: The Roots of Musical Modernism». Critical Inquiry, 10, març 1984, pàg. 442–461.
  4. Cope, 1997, p.101.
  5. Steinitz, 2003, p. 103.