Teatre

De Viquipèdia
Dreceres ràpides: navegació, cerca
Aquest article tracta sobre la disciplina artística. Vegeu-ne altres significats a «Teatre (edifici)».

El teatre (del grec θέατρον, "lloc per contemplar") és una art escènica relacionada amb l'actuació i la representació d'uns esdeveniments, que consta de representar una història fictícia que protagonitzen un o més personatges en un lloc i un temps concret i davant d'un públic. S'utilitzen elements com els discursos i els diàlegs, els gestos, l'escenografia, la música, el so i l'espectacle. És també el gènere literari que comprèn les obres concebudes en un escenari i davant d'un públic. El Dia del Teatre se celebra el 27 de març.

Teatre

Característiques generals[modifica | modifica el codi]

El teatre com s'ha pogut observar, constitueix un tot orgànic del que els seus diferents elements formen una part indivisible. Aquests elements, no obstant això, posseeixen cadascun característiques i moltes altes coses a part de les característiques i normes pròpies i, en funció de l'època, de la personalitat del director o d'altres circumstàncies, és habitual que es concedeixi a uns o altres major rellevància dins del conjunt. Aquests elements són els que tens a continuació:

Text[modifica | modifica el codi]

Les obres dramàtiques s'escriuen en diàlegs i en primera persona, en el qual existeix les accions que van entre parèntesis, (anomenat llenguatge de les acotacions). En la tradició occidental, el text, l'obra dramàtica, s'ha considerat sempre la peça essencial del teatre, anomenat "l'art de la paraula". Atès que, de forma més matisada, aquesta orientació predomina també en les cultures orientals, cap si més no admetre com justificada tal primacia. Referent a això han de fer-se, no obstant, dues consideracions: en primer lloc, el text no esgota el fet teatral, perquè una obra dramàtica no és teatre fins que es representa, el que implica com a mínim l'element de l'actuació; en segon lloc, són nombroses les formes dramàtiques arcaiques i els espectacles moderns que prescindeixen per complet de la paraula o la subordinen a elements com la mímica, l'expressió corporal, la dansa, la música, el desplegament escènic.

El fet que l'obra només adquireixi plena vigència en la representació determina a més el caràcter distintiu de l'escriptura dramàtica respecte a altres gèneres literaris. La majoria dels grans dramaturgs de tots els temps, des dels clàssics grecs a l'anglès William Shakespeare, el francès Molière, l'espanyol Pedro Calderón de la Barca o l'alemany Bertolt Brecht, van basar les seves creacions en un coneixement directe i profund dels recursos escènics i interpretatius i en una sàvia utilització de les seves possibilitats.

Tipus de textos teatrals[modifica | modifica el codi]

El text dramàtic en el teatre està escrit en forma de diàleg. Existeixen diverses classes de diàlegs:

  • Col·loqui: És un diàleg entre diversos interlocutors, en el que els discursos solen ser oposats.
  • Soliloqui: És un diàleg on un personatge parla amb si mateix.
  • Monòleg: A diferència del sol·liloqui, aquí trobem un personatge que parla amb si mateix però davant d'un grup de personatges, els quals escolten les paraules de l'interlocutor.
  • Apart: Petit monòleg que se sostreu convencionalment de la percepció dels altres personatges. Qui el pronuncia es sol dirigir al pública (tot i que no sempre és així) per expressar idees que no vol que altres personatges sentin.
  • Apel·lació: És un discurs adreçat directament al públic.

Direcció[modifica | modifica el codi]

La personalitat del director com artista creatiu per dret propi només es va consolidar, segons es va apuntar anteriorment, a fins del segle XIX. La seva figura, de qualsevol forma, havia existit sempre, quan responsable de la coordinació dels elements que representen, des de l'escenografia a la interpretació. A ell correspon, en definitiva, convertir el text, si existeix, en teatre, per mitjà dels procediments que jutgi precisos, per a induir a la reflexió pels alemanys Bertolt Brecht i Erwin Piscator.

Actuació[modifica | modifica el codi]

Les tècniques d'actuació han variat enormement al llarg de la història i no sempre de manera uniforme. En el teatre occidental clàssic, per exemple els grans actors, els "monstres sagrats", tendien a emfatitzar les emocions a fi de destacar el contingut de l'obra, en la comèdia de l'art l'intèrpret deixava regna solta al seu instint; els actors japonesos kabuki, fan patents determinats estats d'ànim per mitjà de gestos simbòlics, bé de gran subtilesa o deliberadament exagerats.

En el teatre modern s'ha imposat en general l'orientació naturalista: que l'actor per mitjà d'adquisició de tècniques corporals i psicològiques i de l'estudi de si mateix i del personatge, procura recrear en escena la personalitat d'aquest. Tal opció, evolucionada en els seus trets fonamentals a partir dels ensenyaments del rus Konstantín Stanislavski i molt estesa en l'àmbit cinematogràfic, no és per descomptat l'única i si no hi ha altre remei l'elecció d'un estil interpretatiu depèn de característiques de l'espectacle i de les indicacions del director.

No obstant això, actualment, a inicis del segle XXI, l'actuació teatral amb tendència naturalista està sent replantejada seriosament. La teatralitat contemporània requereix una crítica del naturalisme com simple reproducció del comportament humà, però sense llaços amb el seu entorn. Actualment hi ha hagut grans transformacions del treball de Stanislavsky sent les més importants Antonin Artaud, Jerzy Grotowsky, Etienne Decroux i Eugenio Barba. Aquestes tècniques, cridades actualment extraordinàries impliquen una complexa síntesi dels signes escènics

Altres elements[modifica | modifica el codi]

Part de la tramoia del teatre Royal des Galeries de Brussel·les

De forma estricta, s'entén per decorat l'ambient en què es desenvolupa una representació dramàtica, i per escenografia, a l'art de crear els decorats. Avui dia, tendeix a usar-se en el concepte d'"aparell escenogràfic" referit a tots els elements que permeten la creació d'aquest ambient, entre els quals caldria destacar fonamentalment la maquinària o tramoia i la il·luminació.

En l'antiguitat, l'escenografia es trobava condicionada a limitacions tècniques i arquitectòniques, circumstància que es va mantenir durant tota l'Edat Mitjana. Va ser a la darreria del Renaixement i, sobretot, durant els segles XVII i XVIII, quan l'escenografia va començar a adquirir realç, gràcies al perfeccionament de la perspectiva pictòrica, que va permetre dotar de major aparença de profunditat al decorat, i posteriorment el desenvolupament de la maquinària teatral. En el segle XIX, amb la introducció del drama realista, el decorat es va convertir en l'element bàsic de la representació. El descobriment de la llum elèctrica, en fi, va donar motiu a l'auge de la il·luminació.

El vestuari ha estat sempre estretament vinculat amb la concepció escènica. En el teatre grec, la tosquedat dels decorats es compensava per mitjà de màscares —tràgiques o còmiques— i les túniques estilitzades dels actors, l'objecte de les quals era de ressaltar el caràcter arquetip dels personatges. Durant el Barroc i el Neoclassicisme van adquirir importància el maquillatge i el vestuari, si bé aquest es va emprar sovint de forma anacrònica —es representava per exemple una obra ambientada a Roma amb vestidures franceses del segle XVII fins a l'aparició del realisme—. En l'actualitat, l'elecció del vestuari és un element més dintre de la concepció general del muntatge.

Gèneres teatrals[modifica | modifica el codi]

Hi ha diversos gèneres teatrals:

  • Comèdia: Gènere realista. A la comèdia els personatges són, complexos, comuns i corrents que encarnen els defectes i vicis dels éssers humans, el conflicte que es presenta és possible i probable en la vida real, si bé el seu contingut s'exagera o ridiculitza en l'intent per provocar el riure del receptor. El protagonista en aquest conflicte lluita amb el seu antagonista en un intent fallit per aconseguir els seus propòsits; fallit, perquè els seus intents els porten a diverses situacions, en les quals fracassa o és objecte de burla. El desenllaç presenta una solució alegre al conflicte amb la qual tots els problemes s'alegren i tots queden feliços. Generalment els autors a través del riure intenten que el receptor reflexioni sobre el que succeeix en l'obra i d'aquesta manera pugui extreure un ensenyament si es veu identificat amb algun dels personatges. Per això, alguns autors consideren que la comèdia és moralista. Tartuf o l'impostor de Molière és un exemple.
  • Tragèdia: Gènere realista. A la tragèdia hi ha personatges il·lustres, amb la finalitat de produir una crisi, és a dir, una purificació del receptor (lector o espectador) i que culmina en moltes ocasions amb la destrucció social o física del protagonista. Èdip rei de Sòfocles és un exemple d'aquest gènere
  • Drama: Gènere realista. En el drama es representa una situació de la vida real que resulta complexa i difícil però amb un final favorable o feliç, es caracteritza per tenir personatges comuns i complexos que s'enfronten a situacions límit de la seva vida i que acaben per reconèixer encara que això no necessàriament generi un canvi intern en el protagonista.
  • Melodrama: Gènere no realista. Les anècdotes complexes on els personatges són simples és la característica fonamental d'aquest gènere. Busca que l'espectador tingui una resposta emocional superficial davant els successos de l'escena. Els personatges tenen reaccions emocionals exacerbades davant les accions dels altres personatges. Hi ha un conflicte de valors oposats que poden estar en qualsevol àmbit: moral, estètic, etc. Nuestra Natacha d'Alejandro Casona, estrenada a Barcelona el novembre de 1935 (al Teatre Barcelona), és un exemple.
  • Tragicomèdia: Gènere no realista. El personatge protagonista de la tragicomèdia és simple, generalment un arquetip, està a la recerca d'un ideal: l'amor, l'amistat, la fraternitat, etc. L'anècdota és complexa. No és la unió de tragèdia i comèdia. L'ocell blau de Maurice Maeterlinck és un exemple.
  • Teatre de l'absurd: Gènere teatral cultivat per escriptors europeus i americans entre els anys 40 i 60 del segle XX. Va ser encunyat pel crític Martin Esslin que va utilitzar-lo com a títol d'un llibre seu del 1962. Esslin considera que el treball d'aquests autors consisteix en una articulació artística del concepte filosòfic de l'absurd de l'existència, propi d'Albert Camus. Les característiques peculiars del teatre de l'absurd són l'abandonament deliberat d'una construcció dramàtica racional i el rebuig del llenguatge lògic conseqüencial.
  • Obra didàctica: Gènere no realista. Caracteritzada per presentar-se en forma de sil·logisme que convida a la reflexió de l'espectador i que a partir d'ella tingui un aprenentatge. Els personatges són simples i l'anècdota complexa. El cercle de guix caucasià de Bertolt Brecht és un exemple clar.
  • Farsa: Gènere impossible. La característica principal de la farsa rau en la unió d'una substitució de la realitat (de llenguatge, de lloc, etc.) I que uneix elements de qualsevol dels altres sis gèneres. per això no és un gènere pur. Els seus orígens es remunten a Aristòfanes però és en el segle XX quan aquest gènere pren veritable importància i rellevància. La Cantant calba d'Eugen Ionescu és el més clar exemple.
  • Pantomima: Els mims són actors que no utilitzen el llenguatge parlat en les seves actuacions i, sovint, prescindeixen de qualsevol so o objecte per fer-se entendre. Té elements de connexió amb la dansa i el circ. És una forma habitual d'art de carrer. L'estil i el contingut del mim modern té vincles clars amb la Commedia dell'arte, una forma popular de teatre que va aparèixer a Itàlia, durant l'edat mitjana.
  • Teatre musical o musical és una forma de teatre que combina música, cançó, ball i diàlegs. El contingut emotiu de la història (humor, pathos, amor, ira...), així com la pròpia història, és transmesa mitjançant les paraules, la música, els moviments i els aspectes tècnics de l'espectacle com a una unitat integrada. Els tres components principals d'un musical són la música, les lletres i el llibret. El llibret d'un musical es refereix a la història, de fet, les seves parts parlades; però també pot referir-se als diàlegs i a les lletres conjunts, en el que es refereix, igual que a l'òpera, com el libretto (llibret en italià). La música i les lletres formen la banda sonora del musical.
  • Òpera és un drama totalment o parcialment musicat que s'escenifica cantant i amb acompanyament orquestral, i amb els elements escènics habituals del teatre (decoracions, vestuari).
  • Teatre de titelles on els personatges són ninots anomenats titelles. Acostumen a mostrar-se en uns teatrets especials, anomenats teatres de titelles. El seu moviment s'efectua amb l'ajuda de molles, cordes, guants, filferros, fils, pals i altres estris adaptats a cada tipus de titella.
  • Dansa-teatre és una actuació artística que combina elements de la dansa contemporània i del teatre, podent incloure també elements d'altres arts escèniques, com el circ, o fins i tot visuals, fusionant-les en un espectacle homogeni; amb personatges constants i ben definits. Sol tractar temes de la realitat actual i des d'un pust de vista crític i irònic. L'estètica és molt cuidada. Pot ser per a públic infantil o adults.
  • Performance és una actuació artística en directe on hi ha una important posada en escena, on habitualment l'artista (conegut com a performer) es comporta d'una manera particular per a altre grup de gent (públic o audiència). Tot sovint, la "línia" invisible que divideix l'artista del públic s'esvaeix, com en el teatre actiu, on els membres del públic s'impliquen en la producció.
  • Teatre d'avantguarda és un moviment teatral que sorgeix paral·lelament a l'antinovel·la o nova novel·la, a França, prop de 1950, un fenomen teatral que es caracteritza per la negació de les formes establertes i per la recerca d'un nou i original llenguatge escènic. En lloc de personatges ben caracteritzats, d'una estructura lògicament construïda i de diàlegs brillants, les «antipeces» del nou teatre presenten el reflex d'un món de malson i una reflexió sobre el llenguatge feta d'absurditat i incongruència.

Teatre en l'educació[modifica | modifica el codi]

El teatre apareix a l'àmbit de l'educació reglada de diferent maneres. Principalment com a matèria optativa anomenada "Dramatització/teatre", o com a crèdit variable de Teatre a l'ESO pretén integrar dues maneres d'entendre les activitats dramàtiques en l'ensenyament i aprenentatge, ambdues igualment vàlides. La dramatització, més centrada en el desenvolupament personal, i el teatre, més dirigit cap a les pràctiques artístiques. Aquesta doble visió no significa dicotomia ni separació, ja que ambdós enfocaments tenen una arrel comuna: el llenguatge dramàtic.

Tant la dramatització com el teatre són formes de representació que utilitzen el cos, la veu, l'espai i el temps escènics per tal d'expressar i comunicar idees, sentiments i vivències. La dramatització pot entendre's, a més, com un procediment consistent a donar forma teatral a alguna cosa que en principi no la té.

La dramatització és una forma d'expressió (del mateix nivell que l'expressió oral, l'expressió escrita, l'expressió plàstica i la rítmico-musical) que utilitza els signes i la sintaxi propis del llenguatge dramàtic. Es caracteritza per integrar els diferents llenguatges (verbal, plàstic, rítmico-musical, corporal) i per constituir un poderós mitjà d'aprenentatge, ja que implica simultàniament aspectes cognoscitius, afectius i psicomotrius.


Història[modifica | modifica el codi]

La majoria dels estudis consideren que els orígens del teatre s'han de buscar en l'evolució dels rituals màgics relacionats amb la caça, igual que les pintures rupestres, o la collita agrícola que, després de la introducció de la música i la dansa, va desembocar en autèntiques cerimònies dramàtiques on es retia culte als déus i s'expressaven els principis espirituals de la comunitat. Aquest caràcter de manifestació sagrada és un factor comú a l'aparició del teatre en totes les civilitzacions.

Àfrica[modifica | modifica el codi]

El teatre africà, entre tradició i història, s'està canalitzant actualment per noves vies. Tot predisposa a Àfrica al teatre. El sentit del ritme i de la mímica, l'afició i la facilitat per la paraula són qualitats que tots els africans comparteixen en major o menor mesura i que fan d'ells actors nats. La vida quotidiana dels africans transcorre al ritme de diverses cerimònies, rituals o religioses, concebudes i viscudes generalment com a veritables espectacles. No obstant això, tot i que l'Àfrica ha conegut des de sempre aquest tipus de cerimònies, cal preguntar-se si es tractava realment de teatre, als ulls de molts, aquests espectacles estan massa carregats de significat religiós per tal que puguin considerar-se com a tal. Altres estimen que els tipus de teatre africans guarden certa semblança, com en altres temps la tragèdia grega, com un preteatre que mai arribés totalment a ser teatre si no es dessacralitza. La força i les possibilitats de supervivència del teatre negre residiran, per tant, en la seva capacitat per conservar la seva especificitat. a l'Àfrica independent està prenent forma un nou teatre.

Nou Teatre: Es tracta d'un teatre compromès, fins i tot militant, concebut per defensar la identitat d'un poble que ha aconseguit la seva independència.

'Teatre d'Avantguarda:' S'orienta actualment cap a una investigació sobre el paper d'actor, propera a la de Jerzy Grotowski i el seu teatre laboratori. Així, a Libreville, Gabon, es va formar el 1970 un teatre avantguardista que va realitzar dos espectacles que van deixar una empremta perdurable en les joves generacions de comediants. Una altra via d'investigació és el teatre de silenci, creat per François Rosira, la finalitat era realitzar espectacles en què el cant, el recitat, la música i el ball es complementen en perfecta harmonia.

Antic Egipte[modifica | modifica el codi]

A l'Antic Egipte, a mitjans del segon mil·lenni abans de l'edat cristiana, es representaven ja drames sobre la mort i resurrecció de Osiris. Es comença el teatre per mitjà de màscares i dramatitzacions amb elles.

El teatre sorgeix com a lloc públic per al culte i representació de mites a Egipte,[1] com després es farà amb els actes sacramentals medievals.

Grècia i Roma[modifica | modifica el codi]

Les arrels en ritus òrfics i en els festivals celebrats per Dionís, on es portaven a terme les escenificacions de la vida dels déus acompanyades de danses i cants (Ditiràmbics). Més tard van començar les primeres representacions ja pròpiament dramàtiques, executades a les places dels pobles per companyies que incloïen només un actor i un cor. A finals del Segle VI aC va aconseguir una extraordinària celebritat el llegendari poeta i intèrpret Tespis, en el honor la frase el carro de Tespis al·ludeix, encara avui, al conjunt del món del teatre.

El teatre grec sorgeix després de l'evolució de les arts i cerimònies gregues com la festa de la verema (oferta a Dionís) on els joves anaven dansant i cantant cap al temple del déu, a oferir les millors vinyes. Després un jove que va ressaltar entre el grup de joves es va transformar en el corifeu o mestre del cor, que va dirigir al grup. Amb el temps van aparèixer el bard i el rapsode, que eren recitadors.

En el curs del segle V aC, durant l'edat clàssica de Grècia, es van establir els models tradicionals de la tragèdia i la comèdia, i els dramaturgs Èsquil i Sòfocles van afegir respectivament un segon i tercer actor a l'acció, el que va donar a aquesta una complexitat que feia necessària la creació de grans escenaris. Per a això es van erigir grans teatres de pedra, entre els quals cal citar l'encara conservat de Epidaure (Grècia) en el segle V aC, capaç d'albergar unes 12.000 persones, i el de Dionís, a Atenes, al segle IV aC. La seva construcció es realitzava mitjançant l'aprofitament de les faldes d'un turó, on es disposaven en forma semicircular les grades que envoltaven l'orquestra, espai circular en què es feia la major part de la representació. Després de l'orquestra s'aixecava una edificació anomenada Skene, escena, destinada a que els actors canviessin la seva vestimenta. Davant d'ella s'aixecava una paret de columnes, el prosceni, que podia sostenir superfícies pintades que evocaven el lloc de l'acció. Aquests decorats, juntament amb les túniques i màscares emprades pels actors i algunes màquines rudimentàries, constituïen tot l'aparell escènic.

Les representacions del teatre grec es feien a l'aire lliure, comptava amb cor (dirigit pel Corifeu o mestre del cor) que cantava i dansava al voltant d'un altar. En el teatre grec es representaven dos tipus d'obres: la tragèdia, obra dramàtica de final desgraciat que tractava de temes de llegendes heroiques i utilitzava, oportunament, als déus per al seu final, i la comèdia satírica, que criticava humorísticament a polítics i a les obres i incorrien en una mímica iniciada per un cor de sàtirs, i comèdies que tenien per tema assumptes de la vida quotidiana; totes estaven escrites en vers i utilitzaven màscares.

Teatre romà[modifica | modifica el codi]

Els teatres romans van heretar els trets fonamentals dels grecs, si bé varen introduir certs elements distintius. Construïts inicialment de fusta, només en l'any 52 aC Gneu Pompeu Magne, va erigir en Roma el primer de pedra. A diferència dels seus models hel·lènics, s'aixecaven sobre el terra pla i tenien diverses plantes erigides en maçoneria. A fi de millorar l'acústica, els arquitectes romans van reduir l'orquestra a un semicercle, i els espectacles es presentaven sobre una plataforma, el pulpitum, estesa davant de l'antiga skene que constitueix l'origen dels moderns escenaris. La frons scaenae era una façana monumental de diversos pisos, que servia de fons d'escenari. La graderia (càvea) es divideix en 3 parts: Ima, mitjana i suma, situant-se la primera a la zona inferior on s'asseien els senadors i la classe dirigent; quedant assentats a la superior les dones i els esclaus i en la mitjana el poble pla. El conjunt podia cobrir amb un velum. Roma va optar també per la comèdia, ja que aquests van prendre el teatre com una manera de divertir-se o entretenir.

Civilitzacions americanes[modifica | modifica el codi]

En les cultures americanes prehispàniques el teatre va arribar a adquirir un notable desenvolupament, particularment entre els maies, una de les obres més representatives del teatre maia és el drama quiche Rabinal Achí el teatre maia es trobava parcialment vinculat als cicles agrícoles i a l'èpica dels seus esdeveniments històrics, i entre els asteques i Inques, societats que en correspondència amb la seva estructura teocràtica van donar a les seves activitats teatrals un matís eminentment guerrer i religiós.

Civilitzacions orientals[modifica | modifica el codi]

Representació del teatre Nô, 能

Les manifestacions dramàtiques a Àsia es remunten a èpoques antiquíssimes. A Xina es practicaven ja, sota la forma de poemes escenificats, a finals del segon mil·lenni abans de l'era cristiana. A l'Índia la seva aparició va ser posterior, més el fet que en el Mahabharata, poema èpic que va adquirir la seva forma definitiva cap al segle IV aC, es mencioni específicament aquest art revela l'existència de remotes formes teatrals relacionades amb les creences vèdiques. El caràcter marcadament ritual i simbòlic del teatre oriental que va determinar un protagonisme de la música i la dansa molt superior a l'occidental, va marcar així mateix en el Japó, el desenvolupament del teatre 能, en espanyol anomenat Noh sorgit en el segle XV, del qual dues centúries més tard va brollar l'歌舞 伎 o kabuki, el més popular, i basat sobretot en la capacitat dels intèrprets, i en l'apel·lació als sentits abans que l'intel·lecte.

Edat mitjana europea[modifica | modifica el codi]

Article principal: Teatre medieval

Després de segles d'oblit, la recuperació del teatre a Occident va tenir principal suport en el clergat, que el va emprar amb fins didàctics. Així, des del segle XI, va ser habitual la representació en les esglésies de misteris i moralitats, l'objecte era presentar de manera senzilla la doctrina cristiana als fidels. Per tal de facilitar la comprensió, el llatí va cedir pas gradualment a les llengües vernacles, i en els segles XIII i XIV, tant les peces de Teatre religiós com les florents farses profanes van començar a representar-se.[2]

Renaixement[modifica | modifica el codi]

L'eclosió del Renaixement a Itàlia va tenir conseqüències decisives sobre l'evolució del teatre, doncs, al sorgir una producció dramàtica de caràcter culte, inspirada en els models clàssics i destinada a les classes aristocràtiques, es va generalitzar al transcurs del segle XVI la construcció de sales cobertes i dotades de majors comoditats.

Teatre a Itàlia[modifica | modifica el codi]

Com el primer dels teatres moderns sol citar-se l'Olímpic de Vicenza, dissenyat per Andrea Palladio i acabat en 1585, que constituïa una versió dels models romans i presentava, al fons de l'escenari, d'una perspectiva tridimensional amb vistes urbanes. El model clàssic del teatre italià, vigent en molts aspectes, va ser no obstant això el teatre Farnese de Parma, erigit en 1618, l'estructura incloïa l'escenari, emmarcat per un arc prosceni i separat del públic per un teló, i una platea en forma de ferradura envoltada per diversos pisos de galeries. Durant aquest temps es va desenvolupar també a Itàlia una forma de teatre popular, la comèdia de l'art, que amb la seva èmfasi en la llibertat d'improvisació de l'actor va donar un gran avenç a la tècnica interpretativa.

Anglaterra: El Teatre Isabelí[modifica | modifica el codi]

Article principal: Teatre isabelí
William Shakespeare
The Globe Theatre

Molt diferents van ser els teatres erigits a Anglaterra durant el regnat d'Elisabet I d'Anglaterra, època d'excepcional esplendor del gènere dramàtic, entre els quals es va destacar el londinenc The Globe on presentava les seves obres William Shakespeare. Mancats de sostre i construïts de fusta, el seu tret més característic era l'escenari elevat rectangular, entorn del qual el públic envoltava als actors per tres costats, mentre les galeries es reservaven per a la noblesa.

Espanya: Els Corrales de Comedias[modifica | modifica el codi]

A Espanya, i en la mateixa època que el teatre Isabeli a Anglaterra (segles XVI i XVII) es creen instal·lacions fixes per al teatre a l'aire lliure anomenades Corrales de Comedias, amb les que guarden similituds constructives. A diferència del cas anglès, a Espanya si han perviscut alguns exemples d'aquestes edificacions com el corral de comèdies d'Almagro. Exponents d'aquesta època són els autors Lope de Vega, Tirso de Molina i Calderón de la Barca, clars exponents de l'important Segle d'Or espanyol.

Barroc i Neoclassicisme[modifica | modifica el codi]

El transcurs dels segles XVII i XVIII va donar lloc a un gran enriquiment de l'escenografia. La recuperació per part del drama clàssic francès de la regla de les tres unitats, acció, temps i lloc, va fer innecessària la simultaneïtat de decorats, de manera que es va emprar només un en cada acte, i aviat es va generalitzar el costum de canviar-los en els entreactes. Posteriorment, la creixent popularitat de l'òpera, que requeria diversos muntatges, va afavorir el desenvolupament de màquines perfeccionades que donessin més aparença de veracitat a efectes tals com: la desaparició d'actors i la simulació de vols - les anomenades "glòries", per exemple feien possible el descens de les altures de l'escenari d'un núvol que portava als cantants-. El teatre de la Scala de Milà, acabat el 1778, constitueix un exemple de les grans dimensions que eren necessàries per allotjar tant al públic com a la tramoia i l'aparell escènic.

Naturalisme i realisme al teatre dels segles XIX i XX[modifica | modifica el codi]

El naturalisme i el realisme són dues etapes del mateix fenomen artístic. El Naturalisme és la culminació del realisme, la seva forma més extrema.

Així doncs, podem dir que el Realisme és un corrent estètic que es dóna entre els anys 1830-1880, apareix després del romanticisme i molt aviat es convertiran en moviments coetanis.Es caracteritza per escriptors que es preocupen per fer una pintura precisa de la societat, pretén duplicar la realitat i ho fa a partir del teatre.[3]

És un corrent que es caracteritza per:

  1. espontaneïtat del personatge
  2. psicologia del personatge

El Naturalisme, per altra banda, s'inicia a França amb la novel·la el 1870, poc després apareixerà el teatre naturalista a Europa sobretot a Anglaterra, Alemanya i França i als EUA.[4]

Els dramaturgs abandonaran la història per tal de situar l'acció a l'època contemporània. Els dramaturgs més significatius d'aquesta etapa són Frederic Soler i Àngel Guimerà.

Teatre a Catalunya[modifica | modifica el codi]

A Catalunya, la producció actual de teatre és important. Companyies formades sobretot a Barcelona són conegudes a tot l'Estat espanyol (La Cubana, Els Joglars, Tricicle, Dagoll Dagom, etc.) i algunes també a altres països (Comediants, La Fura dels Baus, etc.). A la capital hi ha nombrosos teatres (Teatre Lliure, Teatre Nacional de Catalunya, etc.) i, fins i tot, alguna antiga sala de cinema s'ha reconvertit al teatre, cosa poc habitual en aquests temps. Els actors de teatre catalans són ben reputats a tota Espanya, molts són coneguts a Catalunya perquè, a més de teatre, solen fer sèries de televisió (i sovint també doblatge o cinema). Els espectacles teatrals, així com altres arts escèniques, es divulguen mitjançant publicacions especialitzades, pero a l'abast de tothom, i en català, com per exemple Teatralnet. Alguns autors catalans són: Francesc Fontanella, Josep Robrenyo i Tort, Frederic Soler i Hubert (Serafí Pitarra), Josep Maria Folch i Torres, Àngel Guimerà, Emili Vilanova, Gabriel Maura[cal citació], Josep Berga i Boix, Ignasi Iglésias Pujadas, Adrià Gual, Santiago Rusiñol, Joan Puig i Ferreter, Josep Maria de Sagarra, Josep Maria Benet i Jornet, Jordi Teixidor i Martínez, Rodolf Sirera, Maria Aurèlia Capmany, Alexandre Ballester, Salvador Espriu, Joan Brossa, Sergi Belbel, Albert Boadella, Jordi Prat i Coll, Guillem-Jordi Graells i Andreu, Lluïsa Cunillé, Jordi Galceran, Ignasi Garcia, Nicasi Camps i Pinós, Margarida Xirgu.

Vegeu també[modifica | modifica el codi]

Referències[modifica | modifica el codi]

  1. Stanton, Sarah; Banham, Martin (1996). "Middle East and North Africa". Cambridge paperback guide to theatre. Cambridge, England: Cambridge University Press.
  2. Teatre medieval al web del Museu de les Arts Escèniques
  3. teatre medieval i del Renaixement, Barcelona 62,1983
  4. Castells i Altirriba, Joan: materials relatius al teatre profà dels s.XVIII-XIX.Estudios escénicos,XIX ( 1975), 13-46

Enllaços externs[modifica | modifica el codi]